Ci sono serate televisive che passano come rumore di fondo, e altre che diventano un’arma, non perché chiariscano la realtà, ma perché la riscrivono in diretta davanti a milioni di persone.

Il racconto che circola online di uno scontro tra Vittorio Feltri e Roberto Benigni appartiene a questa seconda categoria, perché non descrive un confronto, ma una messa in scena dove l’obiettivo non è capire, è inchiodare.

Nella versione che rimbalza sui social, lo studio non è uno studio, è un’aula di tribunale simbolica, e le luci non servono a illuminare, servono a esporre.

Vale la pena dirlo subito con chiarezza, perché qui sta la differenza tra cronaca e narrazione: molti dettagli vengono presentati come se fossero incontestabili, ma senza fonti verificabili e senza un resoconto integrale è facile che l’enfasi sostituisca i fatti.

Eppure la storia, proprio perché così carica di toni assoluti, racconta molto del clima culturale italiano, dove il confine tra satira, polemica, informazione e tifoseria è sempre più sottile.

La scena madre, così come viene dipinta, è costruita su un contrasto quasi teatrale: da una parte Benigni, descritto come il depositario della morale, della poesia, della memoria civile, dall’altra Feltri, dipinto come il chirurgo freddo che taglia via la retorica per arrivare al nervo scoperto.

È una contrapposizione che funziona perché parla a due Italie che si guardano con sospetto: l’Italia che si riconosce nei simboli culturali e l’Italia che chiede contabilità, concretezza e bollette più leggere.

Dentro questo schema, Benigni diventa il rappresentante di un certo modo di fare egemonia culturale, fatta di monologhi, citazioni, pathos, applausi e legittimazione morale.

E Feltri diventa il rappresentante di una contro-egemonia che non prova a sostituire la poesia con altra poesia, ma prova a sostituire la poesia con il bilancio, la commozione con la fattura, la memoria con il costo.

Il punto più potente del racconto è l’idea che, a un certo momento, “lo spettacolo smetta di essere spettacolo” e si trasformi in “processo”.

In televisione questa trasformazione avviene quando cambiano le regole implicite: non si commenta più, si accusa, e l’accusato non può più rifugiarsi nel proprio personaggio, perché il personaggio diventa l’imputato.

La domanda che, nella narrazione, Feltri avrebbe portato sul tavolo è la più scomoda che si possa pronunciare in un Paese che vive di cultura e insieme diffida della cultura: chi paga, quanto paga, e perché.

Quando entrano in campo i soldi pubblici, tutto il resto diventa secondario, perché il denaro collettivo è l’unica cosa che unisce davvero persone che su tutto il resto non si parlano più.

L’idea di “risate pagate” contro “lezioni gratis” funziona proprio perché contiene una provocazione doppia: da un lato insinua che la comicità sia diventata un prodotto istituzionale, dall’altro suggerisce che le prediche morali arrivino sempre a senso unico, dall’alto verso il basso.

È qui che la storia assume la forma del rovesciamento, con Benigni descritto come colui che per anni avrebbe parlato al Paese, e che all’improvviso si ritrova nella posizione di dover rispondere al Paese.

In questa costruzione, il tema non è più la qualità artistica, non è più il valore simbolico della cultura popolare, e non è nemmeno il ruolo dell’artista in democrazia.

Il tema diventa l’asimmetria: chi può parlare senza essere interrogato, e chi invece viene interrogato anche quando tace.

Il racconto insiste su un passaggio cruciale, quello in cui Feltri, sempre secondo la versione circolata, avrebbe spostato la discussione dal cielo al supermercato, dalle citazioni ai conti, dalla “bellezza” al pieno di benzina.

È una mossa retorica semplice e spietata, perché non contesta l’arte, contesta la priorità, e soprattutto contesta il diritto di fare lezioni senza pagare il prezzo della realtà quotidiana.

Quando la politica e l’economia entrano nel discorso culturale, l’artista rischia di apparire privilegiato anche se non lo è, e di apparire protetto anche se ha attraversato rischi reali.

La rete, però, non premia le biografie complesse, premia le immagini nette, e l’immagine netta qui è quella del “profeta” contro il “contabile”.

In questa cornice, Benigni viene descritto come simbolo di un’élite che avrebbe trasformato la cultura in un salvacondotto morale, mentre Feltri viene descritto come colui che rompe l’incantesimo ricordando che, senza fiducia, anche la cultura diventa propaganda.

È una lettura radicale, certo, e spesso volutamente caricaturale, ma proprio per questo virale: l’indignazione e la derisione condividono lo stesso carburante, la semplificazione.

Il punto più delicato è quello delle cifre, perché la narrazione parla di compensi “astronomici” e li collega direttamente ai “soldi pubblici” come se il rapporto fosse sempre lineare e automatico.

Nella realtà, la questione dei compensi, dei contratti, delle produzioni e dei costi televisivi è complessa, fatta di budget, diritti, sponsor, contrattualistica e decisioni editoriali, e ridurla a una frase da studio può essere fuorviante.

Ma la logica del “processo televisivo” non vuole la complessità, vuole la percezione di scandalo, perché lo scandalo tiene incollati e produce una morale immediata: qualcuno ha guadagnato troppo, qualcuno ha predicato troppo, qualcuno ha parlato troppo a lungo senza contraddittorio.

Il passaggio successivo del racconto è ancora più politico, perché la figura di Giorgia Meloni appare come sfondo e come bersaglio indiretto.

Benigni, nella narrazione, rappresenterebbe una critica morale al governo, mentre Feltri trasformerebbe quella critica in un boomerang, sostenendo che l’indignazione “civile” non paga le bollette e non gestisce le periferie.

Qui si tocca un nervo scoperto dell’Italia contemporanea: il conflitto tra linguaggio etico e linguaggio operativo.

Il linguaggio etico dice chi siamo e chi vorremmo essere, ma quando viene percepito come sermone diventa irritante e produce rigetto.

Il linguaggio operativo dice cosa facciamo e quanto costa, ma quando diventa cinismo rischia di perdere l’orizzonte e di ridurre tutto a sopravvivenza.

Il racconto della “mattanza dialettica” tra Feltri e Benigni funziona perché finge di risolvere questo conflitto con una soluzione brutale: basta poesia, contano solo i fatti.

Solo che anche questa è una retorica, perché la scelta di cosa sia un “fatto” e di cosa sia “inutile” è già una posizione culturale, non un dato neutro.

L’idea che “la gente vera” sia stufa della retorica è un sentiment che esiste, ma viene spesso brandizzato e usato come clava contro chiunque parli un linguaggio diverso.

E così si arriva al cuore della storia: non è un dibattito su Benigni, è un dibattito sul potere culturale, su chi lo detiene e su come lo esercita.

Quando si dice “potere culturale” si intende una cosa concreta: la capacità di decidere cosa è rispettabile, cosa è ridicolo, cosa è civile, cosa è vergognoso, e di farlo con un microfono in mano.

Per decenni in Italia questo potere è stato associato a un certo circuito mediatico e artistico, e chi lo contestava veniva spesso liquidato come rozzo, populista o anti-intellettuale.

La narrazione che hai riportato rovescia tutto e dice l’opposto: il vero privilegio non sta nell’essere ignoranti, ma nell’essere intoccabili, e l’intoccabilità sarebbe finita.

Che sia vero o no nella realtà, è questo il messaggio emotivo, ed è un messaggio che trova terreno fertile in un’epoca di frustrazione economica e sfiducia verso le istituzioni.

Se le persone faticano, diventano più sensibili a qualunque segnale di distanza, e la distanza più insopportabile è quella di chi parla di sacrifici senza sembrare toccato dai sacrifici.

Per questo il racconto insiste sull’immagine del “salvagente d’oro”, della villa, del privilegio, del monologo remunerato, perché sono simboli di una diseguaglianza morale prima ancora che economica.

In televisione, la diseguaglianza morale è più esplosiva di quella economica, perché ti fa sentire non solo povero, ma anche giudicato.

E quando ti senti giudicato, cerchi qualcuno che giudichi al posto tuo, con più forza e con meno riguardi.

Il “processo televisivo” serve esattamente a questo: a invertire per un momento i ruoli, facendo sedere sul banco degli imputati chi di solito sta sul palco.

Nel racconto, Benigni sarebbe rimasto spiazzato, quasi senza risposte, e questo silenzio sarebbe stato interpretato come colpa.

Qui c’è un altro meccanismo tipico dei social: l’assenza di replica viene letta come ammissione, anche quando potrebbe essere solo una scelta di stile, di tempo televisivo o di opportunità.

La rete vuole un vincitore e un vinto, e se non lo trova, lo inventa attraverso i frammenti più utili.

La conclusione della storia, così come viene narrata, è una dichiarazione di fine epoca: la retorica progressista ridotta a teatro, il pubblico che non applaude più, la poesia che non incanta più, e la contabilità che vince come nuova morale.

È una chiusura potente, ma anche pericolosa, perché trasforma una questione reale, cioè come si gestiscono i soldi pubblici e come si finanzia la cultura, in un regolamento di conti tribale.

Il rischio è che, invece di chiedere trasparenza e criteri chiari, si finisca per chiedere vendetta contro una categoria, e la vendetta non produce buona amministrazione, produce solo un’altra propaganda.

Se c’è una lezione utile da estrarre da questo tipo di “processi” mediatici, è che il Paese ha fame di chiarezza su due piani diversi.

Il primo piano è quello economico, cioè come vengono spesi i soldi pubblici, con quali regole, con quali risultati e con quale rendicontazione.

Il secondo piano è quello culturale, cioè chi decide cosa merita spazio, cosa è “alto” e cosa è “basso”, e perché certe voci sembrano sempre protette mentre altre vengono sempre ridicolizzate.

Quando questi due piani si sovrappongono, nasce l’esplosione emotiva che il racconto descrive come “esecuzione pubblica” di un’epoca.

Ma la democrazia non dovrebbe aver bisogno di esecuzioni simboliche, dovrebbe aver bisogno di regole leggibili e di discussioni verificabili.

Se davvero si vuole parlare di “risate pagate”, la domanda adulta non è insultare chi le produce, ma pretendere che ogni euro sia spiegato e che ogni scelta editoriale sia difendibile senza ricorrere alla sacralità dell’artista o alla demonizzazione dell’artista.

Allo stesso modo, se si vuole parlare di “lezioni gratis”, la domanda adulta non è cacciare gli intellettuali dalla scena, ma chiedere loro di assumersi il rischio del contraddittorio senza rifugiarsi nella superiorità morale automatica.

La forza di queste storie sta nel fatto che sembrano liberatorie: finalmente qualcuno dice quello che non si può dire.

La debolezza sta nel fatto che spesso dicono una cosa vera in modo tale da renderla inutilizzabile, perché la trasformano in tifoseria e la tifoseria non costruisce trasparenza, costruisce solo nuove appartenenze.

Quando le luci si spengono e la clip finisce, resta un dubbio amaro che non riguarda Benigni e non riguarda Feltri, ma riguarda chi guarda.

Se la televisione diventa un tribunale senza prove e senza appello, il pubblico si abitua a confondere l’umiliazione con la giustizia, e a chiamare “verità” ciò che somiglia di più a un colpo ben assestato.

E se la cultura viene discussa solo come rendita o solo come propaganda, si perde di vista la cosa più concreta di tutte: una comunità senza cultura si impoverisce, e una cultura senza controllo pubblico si corrompe.

Il “processo” televisivo, dunque, può essere un segnale di risveglio o un sintomo di degenerazione, a seconda di ciò che accade dopo.

Se dopo arrivano dati, trasparenza, regole e responsabilità, allora la polemica avrà avuto un senso.

Se dopo arrivano solo meme, rancori e nuove scomuniche, allora avremo assistito soltanto a un altro spettacolo, venduto come coraggio e consumato come intrattenimento.

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